Лучшие художники-скульпторы всех времен

Когда вы представляете себе древнегреческую скульптуру, вы, вероятно, представляете себе реалистичную фигуру, высеченную из мрамора. За это можно поблагодарить Праксителя из Афин. В IV веке до н. э. он усовершенствовал натуралистический стиль, который мы ассоциируем с классической скульптурой, привнеся изумительную непринужденность и чувственность в жесткий, формальный стиль, который практиковали ранние художники Аттической Греции. Считается, что только одна сохранившаяся работа принадлежит ему – мрамор, известный как Гермес, несущий младенца Диониса, хотя историки спорят, что на самом деле это копия, выполненная другим греческим скульптором. Однако даже если это копия, она будет предшествовать другим копиям работ Праксителя, которые были созданы столетиями позже римскими художниками. Римляне очень восхищались Праксителем, и это чувство запечатлено в трудах Плиния Старшего. Рассказ Плиния о Праксителе, по сути, является одним из основных источников для нашего понимания творчества художника, включая тот факт, что он создал первую в истории скульптуру обнаженной женщины в полный рост – тему, которая останется главной для художников и скульпторов.

Один из самых значительных художников раннего итальянского Возрождения, Донателло первоначально обучался ювелирному делу, а затем на короткое время поступил в мастерскую Лоренцо Гиберти во Флоренции. После того как Гиберти помог ему в оформлении баптистерия во Флоренции, он стал самостоятельным художником. Начиная со статуй Святого Марка и Святого Георгия, выполненных в 1415 году для экстерьера церкви Сан-Микеле, церкви флорентийских гильдий, Донателло отошел от готической традиции в скульптуре, приняв форму реализма, невиданную с греко-римских времен. Его усилия увенчались самой известной работой – бронзовой скульптурой Давид 1460 года, которая стала первой известной свободно стоящей обнаженной статуей, созданной художником со времен классической античности.

Микеланджело был тройной силой: живописец (Сикстинский потолок), скульптор (скульптура Давид и Pietà) и архитектор (базилика Святого Петра в Риме). А еще он писал стихи. Хотя он работал во Флоренции, Болонье и Венеции, больше всего заказов он получил для пап Медичи (в том числе Юлиана II и Льва X, среди прочих). Его папские заказы включали вышеупомянутые работы, а также гробницу для папы Юлиана II (которая включает его культовую резьбу Моисея) и проект Лаврентьевской библиотеки в церкви Сан-Лоренцо. Через двадцать лет после росписи Сикстинского потолка он вернулся в капеллу, чтобы создать одну из величайших фресок эпохи Возрождения: Страшный суд.

Немногие художники так отождествляются с определенным стилем и эпохой, как Бернини с 17^th-века итальянского барокко. Архитектор, драматург и театральный дизайнер, а также художник, Бернини написал книгу о любви эпохи барокко к оперному размаху и эмоциональному воздействию. Он отошел от классической уравновешенности, которую лелеяли художники Высокого Возрождения, сосредоточившись на динамичном величии, определяемом плавными линиями, которые изображали фигуры, оказавшиеся в центре драматического момента, что особенно заметно в его фирменных работах, Экстаз Святой Терезы (1651); на ней изображена титулованная героиня, закутанная в струящуюся ткань, испытывающая божественное видение, как будто она испытывает оргазм.

Отец современной скульптуры, Роден отказался от гладких поверхностей, классических форм и аллегорических сюжетов, характерных для академической скульптуры в 19^[ века. Его фигуры были грубо смоделированы, и часто оставляли следы его рук, обрабатывающих глину или гипс, из которых были сделаны его культовые фигуры.Мыслитель, Бургеров Кале, Поцелуй-были позже отлиты в бронзе. Его работы предвосхитили экспрессионизм, а также идею верности материалам, которая станет основной для современных художников.

Один из самых влиятельных художников XX века, Бранкузи стремился к упрощению форм и стал ключевым образцом для последовавших за ним скульпторов. В конечном итоге его нововведения привели к абстрактному искусству, хотя сам Бранкузи использовал в своих скульптурах узнаваемые сюжеты, хотя и в резко редуцированной манере. Получившиеся в результате работы колебались между утонченностью, как в “Птице в космосе”, и атавизмом, как в “Адаме и Еве”. Интересно, что он создавал будущее медиума, обращаясь к его прошлому: Он вновь ввел резьбу в то время, когда литье из глины или гипса было стандартным способом скульптуры (хотя, признаться, он делал и это). Он нашел вдохновение в древних традициях народного искусства своей родной Румынии, откуда и позаимствовал многие из своих мотивов. Самое главное – он бросил вызов общепринятому представлению о том, как скульптуры взаимодействуют с окружающим пространством, размыв границу между объектом и основанием, которое его поддерживает. По сути, Бранкузи поставил под сомнение общепринятые представления о том, где начинается скульптура и где она заканчивается, указав путь к развитию искусства инсталляции.

Большинство людей, когда они вообще вспоминают о нем, вспоминают Альберто Джакометти как художника, создавшего тощие фигуры, и действительно, эти символы послевоенного раздражения являются его фирменными достижениями. Родившись в Швейцарии в семье художников, Джакометти в 1922 году переехал в Париж, чтобы изучать искусство. Там он попал под влияние Андре Бретона и сюрреалистов – группы, известной тем, что, добывая материал для подсознания, она нашла источник эротизма. Его первый признанный шедевр, Дворец в 4 часа утра. (1932) последовал его примеру, схематично изобразив дом или сценическую площадку, которую преследует загадочный актерский состав, включающий женщину, позвоночный столб и летающее существо. По его собственному признанию, эта работа появилась в результате бурного любовного романа, который поглощал его в течение шести месяцев. Хотя он пытался остаться в Париже после нацистской оккупации в 1940 году, поездка в Женеву в 1941 году, чтобы навестить мать, оставила его в изгнании после того, как ему было отказано во въезде во Францию. Вторую мировую войну он провел в номере отеля, где, работая в уменьшенном масштабе, вызванном теснотой помещения, начал создавать скульптуры, которые впоследствии станут его культовым произведением.

Редкая представительница женского пола в нью-йоркской среде 1940-х и 50-х годов, где доминировали мужчины, Невелсон родилась в России и впоследствии стала одним из самых значительных скульпторов послевоенной нью-йоркской школы. Работы Невельсон состояли в основном из головоломных композиций из деревянных элементов – либо найденных артефактов (обломков мебели, катушек, декоративной лепнины), либо вырезанных из досок фигур – объединенных в монолитные формы, которые часто были монументальными по масштабу. Монохроматически окрашенные в черный или белый цвет, эти объекты иногда напоминали своеобразные лабиринты в шкафах, изобилующие закоулками и загадочными деталями. Абстрактные, но не абстрактные, скульптуры Невелсон обладали задумчивым хтоническим присутствием.

К моменту своей смерти в 2010 году в возрасте 99 лет Буржуа стала одним из самых узнаваемых имен в современном искусстве, однако ее творчество, растянувшееся на шесть десятилетий, выросло из более ранних движений, таких как сюрреализм и абстрактный экспрессионизм. Сегодня Буржуа воспринимают как новаторскую художницу-феминистку, но она никогда не считала себя таковой, и хотя она часто обращалась к женскому телу, делала это скорее двусмысленно, чем феминистски, например, прилагая целенаправленные усилия, чтобы разрушить различия между мужским и женским, фигуративным и абстрактным. В конечном счете, ее работы определялись темным эмоциональным течением, связанным с неспокойными отношениями с отцом, у которого был десятилетний роман с семейной гувернанткой, пока Буржуа была ребенком. Так, ее первая масштабная инсталляция, большая комната, похожая на утробу матери, заполненная плотскими курганами из розового латекса, называется Уничтожение отца (1974). Между тем, ее самые известные работы – серия скульптур “Паук” – были вдохновлены ее матерью, реставратором гобеленов, в которой Буржуа видела ловкость, трудолюбие и протекцию, ассоциировавшиеся у нее с арахнидами.

Кусама – одна из самых известных художниц, работающих сегодня. Ее огромная популярность связана с ее зеркальными “Бесконечными комнатами”, которые оказались неотразимыми для пользователей Instagram, но ее карьера длится уже более шести десятилетий. Еще в детстве японская художница начала страдать от галлюцинаций, которые проявлялись в виде вспышек света или аур, а также полей из точек и цветов, которые разговаривали с ней. Эти переживания послужили источником вдохновения для ее работ, включая вышеупомянутые комнаты, а также картины, скульптуры и инсталляции, в которых используются яркие, фантасмагорические узоры из точек в горошек и другие мотивы. С 1957 по 1972 год она жила в Нью-Йорке, где получила известность благодаря стульям, обитым фаллосами из набивной ткани, а также уличным акциям, включавшим публичное обнажение. Однако психологические расстройства продолжали мучить ее, и в 1977 году она попала в психиатрическую больницу в Японии, где и живет с тех пор.